En el ikebana, el arte japonés de los arreglos florales, las flores, las ramas, las hojas y los tallos encuentran una nueva vida como materiales para hacer arte.
A diferencia de los hábitos occidentales de colocar casualmente las flores en un jarrón, el ikebana pretende resaltar las cualidades internas de las flores y otros materiales vivos y expresar emociones.
¿Qué aspecto tiene el ikebana?
Los arreglos de ikebana no se diferencian de la escultura. Las consideraciones de color, línea, forma y función guían la construcción de una obra. Las formas resultantes son variadas e inesperadas, y pueden variar mucho en cuanto a tamaño y composición, desde una pieza hecha con una sola flor hasta otra que incorpora varias flores, ramas y otros objetos naturales.
En la cultura japonesa, la mayoría de las flores, plantas y árboles autóctonos tienen un significado simbólico y se asocian a determinadas estaciones, por lo que en el ikebana tradicional siempre se ha priorizado tanto el simbolismo como la estacionalidad a la hora de elaborar los arreglos.
Algunos de los elementos más comunes utilizados son la hierba de bambú durante todo el año; las ramas de pino y ciruela japonesa en torno al año nuevo; las ramas de melocotón para los Días de las Niñas en marzo; los narcisos y el iris japonés en primavera; el lirio de vaca en verano; y el crisantemo en otoño. Las prácticas modernas de ikebana exigen la misma sensibilidad a las estaciones, así como al entorno en el que se realiza el arreglo.
A veces, los practicantes del ikebana, o los ikebanaistas, recortan las flores y las ramas hasta darles formas irreconocibles, o incluso pueden pintar las hojas de un elemento. Las ramas de las plantas pueden disponerse para que broten en el espacio en varias direcciones, pero al final, toda la obra debe estar equilibrada y contenida. A veces, los arreglos se montan en un jarrón, aunque no siempre es así.
En el ikebana, no basta con tener materiales bellos si éstos no se emplean con arte para crear algo aún más bello. Si el creador es hábil, una flor cuidadosamente colocada puede ser tan poderosa como un elaborado arreglo.
¿Quién practica el ikebana?
El ikebana puede ser practicado tanto por aficionados como por profesionales, y ambos son capaces de conseguir resultados elegantes. Sin embargo, al igual que muchas otras formas de arte, dominar los fundamentos es fundamental para cualquier práctica, y sólo entonces se puede empezar a experimentar.
Guiados por la precisión, un valor fundamental de la cultura japonesa, a los principiantes se les enseñan las habilidades técnicas básicas -como cortar correctamente las ramas y las flores, medir los ángulos en el espacio para la correcta colocación de las ramas y los tallos, y conservar los materiales vivos- junto con la etiqueta de mantener un puesto de trabajo limpio.
A los principiantes también se les enseña a sensibilizar sus ojos con los materiales, para poder resaltar sus cualidades internas y entender cómo éstas cambian con cada arreglo. Los arreglos para principiantes realizados en los estilos Nageire y Moribana suelen utilizar dos ramas altas y un pequeño manojo de flores.
Estas piezas siguen el sistema de tres tallos de shin, soe y hikae, elementos que tradicionalmente han representado el cielo, el hombre y la Tierra, respectivamente. Ahora, a nivel práctico, se refieren a los tallos principales que se emplean. Todos los demás tallos se denominan jushi, que significa tallo de apoyo o subordinado.
¿Cómo se hace un arreglo básico de ikebana?
Para preparar un arreglo básico de Moribana, por ejemplo, el ikabanaista añade agua a un recipiente poco profundo, y luego coloca un kenzan -un pequeño objeto cubierto con un alfiler que mantiene las flores en su sitio- dentro de él. A continuación, selecciona dos ramas, una para shin y otra para soe, y una flor, para hikae.
A continuación, se mide y se corta cada tallo a una longitud precisa (que se especifica en el manual para principiantes de la Moribana) y se fija, de uno en uno, en el kenzan, en diferentes ángulos. Para completar el arreglo, se añaden tallos de jushi suplementarios para ocultar el kenzan y completar el arreglo. Estos principios pueden repetirse una y otra vez, cambiando la colocación y los ángulos para conseguir diferentes formas y efectos.
Los inicios del ikebana
Se cree que las raíces del ikebana en Japón se remontan a las prácticas ceremoniales de la religión sintoísta nativa, o a una tradición de hacer ofrendas florales en el budismo, que fue importada de China en el siglo VI.
El primer texto escrito que se conoce sobre el ikebana, llamado Sendensho, fue redactado en el siglo XV.
En él, los lectores encuentran un minucioso conjunto de instrucciones sobre cómo crear arreglos apropiados para determinadas estaciones y ocasiones; sus directrices dejan claro que la práctica del ikebana encarna la evolucionada apreciación y sensibilidad hacia la naturaleza por la que la cultura japonesa es conocida en general.
Alrededor de la misma época, el ikebana comenzó a convertirse en una actividad secular.
El diseño de las casas japonesas durante este periodo refleja esta transición: las nuevas casas se construían casi siempre con un hueco especial llamado tokonoma, que contenía un pergamino, un objeto de arte precioso y un arreglo floral.
En medio de los colores apagados y los planos planos de la casa tradicional japonesa, el tokonoma destacaba como el lugar singular para el color y la decoración, y se prestaba mucha atención a los objetos que se colocaban allí. En consonancia con la veneración de la cultura japonesa por la impermanencia, los tokonomas cambiaban con regularidad, con los cambios de estación y durante las ocasiones festivas.
La disposición de las flores en este contexto preparó el camino para el ikebana y su reconocimiento como una forma de arte distinta.
Las técnicas tradicionales de ikebana
En el siglo XV, con la repentina ubicuidad del tokonoma y las enseñanzas del Sendensho, las prácticas de ikebana comenzaron a florecer. Primero surgió la Escuela Ikenobo, cuyo nombre hace referencia a una larga línea de sacerdotes de Kioto que seguían la tradición budista de presentar ofrendas florales en el templo. Durante esta época, Ikenobo Senkei ganó fama por sus hábiles composiciones florales; hoy se le considera el primer maestro del ikebana.
El estilo secular que Senkei practicaba se conoció como Rikka, que significa «flores de pie». Este tipo de ikebana se realiza con siete elementos centrales (o a veces nueve), que son una mezcla de ramas de árboles y dos o tres flores – se suelen utilizar el pino, el crisantemo, los lirios y el boj.
Estos elementos se combinan, tradicionalmente en un jarrón chino ornamentado, para crear formas triangulares y estallantes, con elementos altos en el centro y otros más cortos que salen hacia fuera. Conseguir que los elementos principales se mantengan en pie sin apoyo requiere un alto nivel de habilidad técnica.
Las composiciones Rikka se consideran las más grandiosas, pero también las más rígidas (incluso para los estándares actuales). Originalmente estaban destinadas a los templos y más tarde se encontraban en los palacios reales y en las casas señoriales de los ricos.
Al mismo tiempo, un enfoque más modesto de los arreglos florales fue ganando popularidad como una extensión del budismo zen y de la estética Wabi-Sabi y de la Ceremonia del Té que surgió de sus principios fundamentales. El maestro de té más famoso de Japón, Sen no Rikyū, introdujo una apreciación de la estética imperfecta y modesta en sus ceremonias del té, que incluía el uso de flores.
En lugar de construir arreglos exagerados al estilo de Rikka, Rikyū prefería arreglos minimalistas de un solo tallo, como un morning glory colocado en un simple jarrón hecho por un artesano local. Estas ceremonias condujeron a la formación del segundo gran estilo ikebana, que llegó a conocerse como Nageire, que significa «arrojado».
En sus inicios, el Nageire estaba libre de las reglas y la formalidad que regían el estilo Rikka. Como antítesis del Rikka, las flores de los arreglos Nageire no se diseñaban para que se mantuvieran erguidas por sí mismas, sino que se colocaban en jarrones altos que sostenían los tallos de las flores.
Rikka y Nageire representan dos puntos de vista opuestos. El Rikka, aunque técnicamente es un estilo secular, se ocupa del cosmos, remontándose a sus orígenes budistas. En cambio, el enfoque más orgánico de Nageire se centra más directamente en las conexiones con la naturaleza.
Técnicas modernas de ikebana
Debido a los más de 200 años de aislamiento político de Japón, no se produjeron más innovaciones en el ikebana hasta 1868, cuando el país volvió a abrirse al intercambio con el extranjero. La gente se apresuró a adoptar las costumbres occidentales, y en el mundo del ikebana, esto catalizó una serie de cambios radicales.
En 1912 se creó la primera escuela moderna de ikebana, la Escuela Ohara. Su fundador, Unshin Ohara, ayudó a que la forma de arte evolucionara introduciendo el estilo Moribana y, a través de él, implementando dos cambios importantes: la incorporación de flores occidentales y el uso de un recipiente circular poco profundo para que las flores se mantuvieran erguidas, con la ayuda del kenzan.
La flexibilidad y la variación que permite el estilo Moribana lo han convertido en uno de los favoritos y en un elemento básico en casi todas las escuelas de ikebana actuales. El núcleo del Moribana es un sistema de tres tallos, en el que casi siempre se fijan tres flores para crear un triángulo. Las composiciones que no siguen este sistema de triángulo se conocen como estilo libre.
El estilo libre también se utiliza para describir enfoques más creativos y originales del ikebana, en los que el creador utiliza su conocimiento de la forma, el color y la línea de la práctica anterior para desarrollar nuevos arreglos que no se adhieren necesariamente a las tradiciones.
Los cambios continuaron con la creación de la Escuela Sogetsu en 1927. A su fundador, Sofu Teshigahara (cuyo padre era también maestro de ikebana), se le atribuye el mérito de elevar el ikebana de una práctica técnica a un arte al nivel de la escultura, que es como se ha considerado desde entonces.
El enfoque de Teshigahara exigía una mayor libertad y el uso de otros materiales vivos. Para él, las partes olvidadas de la naturaleza -como la tierra, las rocas y el musgo- tenían tanto potencial expresivo como las flores. Creía de corazón que un ikebana excelente no está divorciado de la vida y los tiempos de su creador, y que una flor es una herramienta insustituible y expresiva que revela el alma.
Con estas innovaciones, el estilo Rikka comenzó a desvanecerse. En la actualidad, los estilos más populares son el Ikenobo, el Ohara y el Sogetsu, con unas 400 escuelas en funcionamiento.
El Arreglo Floral Japonés en la Actualidad
A mediados del siglo XX, la internacionalización del ikebana fue impulsada por los esfuerzos de Ellen Gordon Allen, una estadounidense que estudió el ikebana mientras vivía en Japón. Vio el ikebana como un medio para unir a personas de todo el mundo. A partir de 1956, Allen trabajó con las principales escuelas de ikebana para fundar una organización sin ánimo de lucro llamada Ikebana Internacional, que impulsaría una misión diplomática: «amigos a través de las flores».
En las décadas siguientes, han surgido capítulos de las principales escuelas a escala mundial. En los últimos años, la práctica ha inspirado a artistas contemporáneos como Camille Henrot y a una amplia gama de artistas florales, que utilizan los principios del ikebana para desarrollar nuevas y originales creaciones.
Cualquiera que practique el ikebana hoy en día sabe bien que la construcción de relaciones es el núcleo de la práctica: relaciones entre los materiales, entre los estudiantes y entre los maestros y sus alumnos.
En el Japón actual, la palabra kado, que significa «camino de las flores«, es el término preferido para el ikebana, ya que se cree que capta con mayor precisión el espíritu del arte como un camino de aprendizaje permanente. La impermanencia incorporada a este arte, empezando por su dependencia de las estaciones de la naturaleza, se presta a una exploración y experimentación interminables para los ikebanaistas.
Teshigahara era firme en su convicción de que el éxito de la práctica del ikebana a lo largo de la vida requiere curiosidad, no complacencia. «Debemos esforzarnos por convertirnos en artistas con amplitud y profundidad en lugar de permanecer cómodos en nuestro nicho artístico», dijo una vez. «Nuestras creaciones deben variar. Si no nos aventuramos nunca nos convertiremos en artistas destacados».