Cuando se lanzó HBO Max , una de las ofertas más interesantes de la plataforma fue el catálogo (casi) completo de películas de Studio Ghibli -que incluye varias de las películas más taquilleras de Japón, entre ellas «La princesa Mononoke«, «El castillo ambulante» y la ganadora del Oscar «El Viaje de Chihiro«- disponible por primera vez en streaming en Estados Unidos.
En este artículo vamos a hablar de las que consideramos las 10 mejores películas producidas por Studio Gibli y que si no las has visto, te recomendamos encarecidamente que lo hagas si te apasiona la animación, especialmente la japonesa.
Mi vecino Totoro (1988)
La obra maestra de Hayao Miyazaki no es sólo el mejor largometraje que ha realizado el Studio Ghibli; creo que es la mejor película de animación de todos los tiempos, ya que presenta a un personaje tan querido por el público japonés como lo es Mickey Mouse para el estadounidense.
La genialidad de la película se debe a su sencillez y a la forma intuitiva en que Miyazaki consigue sugerir que los seres humanos compartimos el mundo con espíritus benévolos, que velan por nosotros en momentos de necesidad, una idea adaptada de la cultura japonesa en forma de adorable antropomorfo.
Las hermanas Satsuki y Mei se mudan al campo para estar más cerca de su madre inválida, que se recupera en el hospital, y mientras exploran la casa y sus alrededores del bosque, descubren un trío de «Totoro», o espíritus del bosque, que vienen en tres tamaños: pequeño (blanco), mediano (azul) y extragrande (la bestia gris gigantesca con una gran sonrisa y marcas en el pecho en forma de bumerán).
El público estadounidense no estaba preparado para la visión de Miyazaki cuando se estrenó la fascinante película y, sorprendentemente, fue el estudio de «El vengador tóxico» Troma el que introdujo la película en Estados Unidos, comprando los derechos de la versión doblada al inglés en 1993.
Más tarde, cuando Miyazaki fue más aclamado, «Mi vecino Totoro» pasó de ser considerada un objeto de culto al clásico infantil que es hoy: una película de descubrimiento y asombro para las mentes jóvenes, que desafía la noción de que los dibujos animados se basan en el conflicto y, en cambio, fomenta la observación tranquila de los detalles cotidianos, encontrando la magia en lo mundano.
La tumba de las luciérnagas (1988)
Sorprendentemente, los dos mayores logros del Studio Ghibli se estrenaron en un programa doble, lo que debió confundir al público de la época, dada la enorme diferencia de humor entre «Mi vecino Totoro» (una fantasía de peso pluma) y este drama más realista ambientado en la Segunda Guerra Mundial del mentor y colega de Miyazaki, Isao Takahata.
La animación se considera a menudo un medio para niños y, sin embargo, «La tumba de las luciérnagas» (adaptación de la novela de Akiyuki Nosaka de 1967) representa el potencial único de esta forma de arte para abordar temas demasiado sombríos para la mayoría del público a través de la acción real, una lección que se aplicó posteriormente a películas como «Vals con Bashir» y «Funan».
En este caso, Takahata presenta al público el lado japonés de una guerra devastadora, observando el desgarrador daño que este conflicto causa a dos niños, Seita, de 14 años, y su hermana Setsuke, de 4, que quedan huérfanos durante el bombardeo estadounidense de Kobe.
Estas desgarradoras escenas se basan en los ataques aéreos a los que sobrevivió el propio Takahata. Quince años después, Miyazaki se basaría en sus propios recuerdos de la infancia para «El viento se levanta»). Sin hogar y hambriento por circunstancias imposibles, Seita lucha por proteger y distraer a su hermana de los horrores que les rodean. Aunque el final es trágico, son los escasos momentos de alegría los que se te quedan grabados.
El viaje de Chihiro (2001)
La maravilla de Miyazaki, ganadora de un Oscar, fue la primera película de Ghibli que recaudó más de 10 millones de dólares en Estados Unidos y, por tanto, es la que estableció la idea que la mayoría de los estadounidenses tienen del estudio de dibujos animados japonés.
Dada la enorme ambición y el alcance de la película -un giro japonés a clásicos occidentales como «Alicia y el país de las maravillas» y «Peter Pan«, en el que Chiro, de 10 años, cruza el río hacia una casa de baños encantada de la que, si no tiene cuidado, puede que nunca pueda regresar- no es de extrañar que aquellos que empezaron con » El viaje de Chihiro» tengan problemas para trabajar hacia atrás en el catálogo de Ghibli.
La película representa la apoteosis de la imaginación de Miyazaki, llena de imágenes icónicas y personajes más grandes que la vida, que se desarrollan según la lógica onírica del cineasta.
Esto es algo que hay que tener en cuenta en todas las películas de Miyazaki, ya que sus tramas no siguen las narrativas «tradicionales«, sino que fluyen de escena en escena de tal manera que uno nunca puede predecir del todo las sorpresas que se encuentran a la vuelta de la esquina.
Un niño puede transformarse en un dragón, perseguido por el cielo por Shikigami de papel, o un espíritu apestoso puede venir a darse un baño, arrojando todos los desechos que los humanos han arrojado al río. Y así observamos con los ojos bien abiertos cómo el artista del anime nos lleva a este maravilloso viaje.
Kiki: Entregas a domicilio (1989)
Años antes de que J.K. Rowling empezara a escribir sus novelas de Harry Potter, la autora japonesa Eiko Kadono publicó su historia de una aprendiz de bruja que utiliza su habilidad para volar para encontrar trabajo en la gran ciudad.
Después de Totoro, el siguiente personaje más reconocible de Miyazaki es casi con toda seguridad Jiji, el gatito negro de ojos grandes que acompaña a la aprendiz de 13 años a Koriko, donde atrae la atención de un adolescente obsesionado con la aeronáutica, Tombo.
Es posible que Miyazaki haya visto en Tombo una versión más joven de sí mismo, teniendo en cuenta su propio interés de toda la vida por la aviación, un tema que ocupa un lugar destacado en todas sus películas, con sus ciudades flotantes y artilugios voladores.
«El servicio de entrega de Kiki», una dulce historia de amistad juvenil centrada en una precoz protagonista femenina (otro tema recurrente en la obra de Miyazaki), plantea a su joven heroína un reto muy suave: Lejos de casa y con cierta incertidumbre sobre sus habilidades, Kiki descubre que sus poderes parecen estar desapareciendo, una de las ingeniosas metáforas de la película sobre el crecimiento.
Una vez más, la sencillez es lo que mejor le viene a Miyazaki, que invita al público a identificarse con una niña que puede surcar los cielos en su desvencijada escoba (el cine de acción real tardaría más de una década en ponerse al día con este sencillo efecto especial).
Pom Poko (1994)
Tanto Miyazaki como Takahata compartían una fuerte conexión moral con el medio ambiente, que puede percibirse en casi todas sus películas. En «La princesa Mononoke» (la más violenta de las películas de Miyazaki, y al final demasiado pesada para entrar en esta lista), la tensión entre el hombre y la naturaleza alcanza proporciones casi apocalípticas.
El mismo mensaje ecoconsciente es mucho más fácil de asimilar en la anterior película de Takahata, sobre una colonia de tanuki (perros mapache salvajes) que viven en los bosques de las afueras de Tokio y que se ven amenazados por la expansión suburbana.
Al principio, las criaturas empiezan a pelearse entre ellas, lo que da lugar a unas secuencias de batalla divertidamente caricaturescas, antes de espabilarse y volcar su frustración en los promotores humanos que los invaden. Al presentar el problema desde el punto de vista de los animales, la película parece la respuesta japonesa a «Watership Down» o a «El secreto de NIMH» de Don Bluth.
Cabe señalar que en la cultura japonesa, las estatuas de mapaches de aspecto caricaturesco son bastante comunes, de pie, con el vientre hinchado y el escroto al descubierto, y así es como Takahata los representa durante gran parte de la película, aunque en algunas escenas vuelven a tener forma de animal, una táctica de cambio que recuerda la forma en que el tigre de peluche de Calvin se transforma en un animal real en los cómics clásicos de «Calvin y Hobbes».
El Castillo en el cielo (1986)
Después de «Nausicaä del Valle del Viento» -una exitosa adaptación del manga de 1984 cuyo éxito motivó la creación del Studio Ghibli- Miyazaki realizó esta aventura fantástica muy similar que amplía muchos de los encantos de la película anterior. Para los completistas, merece la pena volver a «Nausicaä» (que no es técnicamente una producción de Ghibli), aunque el tono de ciencia ficción de esa película no se distingue tanto de otros largometrajes de anime de los años 80, mientras que esta continuación inconfundiblemente miyazakiana sirve de gran introducción a los motivos favoritos del maestro.
Las batallas de alto vuelo entre naves aéreas steampunk y un grupo de piratas del cielo (cuyo líder, Muska, se parece mucho a la bruja narigudo de «Spirited Away») pronostican el «Porco Rosso» del Barón Rojo, mientras que la ciudad levitante de Laputa es un lugar tan impresionante como el director jamás imaginó. Laputa, al igual que la Wakanda de «Black Panther», es una tierra que se siente a la vez antigua y ultramoderna con sus gigantescos robots asimétricos, autómatas inactivos diseñados para proteger.
La heroína de la película, Sheeta, está vinculada a este maravilloso castillo flotante, y aunque la película se centra demasiado en todos los codiciosos villanos decididos a saquear su mítico reino, ofrece esa increíble sensación de descubrimiento que caracteriza a las mejores salidas de Ghibli.
El cuento de la princesa Kaguya (2013)
Ya sea Isao Takahata o Hayao Miyazaki (o incluso Goro, el hijo de Miyazaki) quien lleve el timón, el Studio Ghibli tiene un inconfundible «estilo de la casa», es decir, los personajes y los mundos dibujados a mano están todos representados de forma muy similar. A lo largo de los años, Takahata rompió dos veces ese molde, experimentando con un estilo más ilustrativo en «Mis vecinos los Yamada», de 1999 (cuyas texturas de acuarela se lograron digitalmente) y de nuevo, para su última película, una adaptación de gran presupuesto del clásico japonés «El cuento del cortador de bambú», cuyas pinceladas y texturas sugieren caligrafía y pergaminos.
Es una historia que el público asiático conoce bien – sobre una princesa de la luna que desea experimentar la vida en la tierra, donde desafía a sus pretendientes a una serie de tareas imposibles – y esto da a Takahata espacio para expresar su propia interpretación, como hace con cariño en las primeras escenas.
Se toma su tiempo para mostrar a la pequeña Kaguya, rescatada del interior de un brote de bambú, dando tumbos en su forma infantil, y comparte un momento impresionante cuando baila bajo las ramas florecidas de un cerezo en plena floración. Aunque visualmente es distinta, la película cuenta con una conexión clave con la estética del Studio Ghibli: la contribución del compositor Joe Hisaishi, en cuyas alas vuelan estas películas.
La tortuga roja (2016)
Otra anomalía en la obra del Studio Ghibli, «La tortuga roja» no se hizo en Japón y no se parece en nada a la obra de Miyazaki o Takahata, pero refleja el compromiso de ambos directores con la animación como una forma de arte verdaderamente independiente.
Impresionados por el cortometraje de Michaël Dudok de Wit, nominado al Oscar, «Padre e hija», el dúo Ghibli se puso en contacto con el animador holandés para apoyarle en la producción de un largometraje.
Nadie confundiría el resultado, de estilo acuarela, con una apuesta comercial convencional: una película sin diálogos sobre un náufrago que se convierte en una alegoría poética sobre el amor y las relaciones y las burbujas aisladas que cada uno construye en torno a su familia.
«La tortuga roja» es lo que se considera un «trabajo de amor», un esfuerzo minucioso (creado con dibujos a carboncillo y color digital) prácticamente sin parangón en el mundo de la animación.
Quizás haya elementos de «Fantastic Planet» o «Son of the White Mare» -fábulas animadas experimentales/expresionistas que vale la pena seguir, si «The Red Turtle» le habla-, pero lo que hace que este proyecto en particular sea tan especial es la forma en que parece existir en una isla por sí mismo, posibilitado por aquellos que aman tanto el medio que llegaron al otro lado del mundo y ayudaron a que existiera.
Ponyo (2008)
Más de una década antes de fundar su propio estudio, Takahata y Miyazaki colaboraron en la serie de televisión de 1974 «Heidi, la chica de los Alpes», por lo que no debería sorprender que volvieran una y otra vez al material de origen europeo en su época en Ghibli.
Algunas, como «El castillo Ambulante», «Arrietty» y «El Recuerdo de Marnie», ofrecieron a los animadores la oportunidad de presentar personajes pelirrojos y rubios, o de ambientar sus historias en pintorescas casitas y pueblos de estilo europeo, por los que claramente tienen una afinidad especial.
Sin embargo, el mayor éxito de Miyazaki es la versión increíblemente libre de «La Sirenita» de Hans Christian Andersen, que sólo toma prestada la premisa de una criatura marina (en este caso, un rudimentario «pez dorado» que parece una brillante marioneta de calcetín rosa) que anhela experimentar la vida en tierra, y el amigo humano de 5 años que hace en la orilla.
Los creadores del Studio Ghibli suelen afirmar que no hacen sus películas pensando en ningún grupo demográfico en particular, pero no se puede negar que «Ponyo» es más joven que cualquiera de sus otras películas. Eso la convierte en una droga de entrada adecuada para que sus hijos se enganchen a los placeres que Miyazaki y compañía ofrecen.
Recuerdos del Ayer (1991)
Mientras que «Ponyo» resulta más atractiva para los niños en edad preescolar, «Recuerdos del Ayer» se distingue por ser la más adulta de las películas de Studio Ghibli.
No es oscura ni difícil en absoluto, sino más bien una película sobre la nostalgia y esos vínculos medio olvidados con nuestro pasado, reavivados por el viaje de Taeko, de 27 años, al pequeño pueblo donde ahora vive su hermana.
Muchas de las películas del estudio tratan de avanzar («Mi vecino Totoro», «Spirited Away» y «Kiki’s Delivery Service» se ocupan explícitamente de trasladarse a nuevos lugares), mientras que el drama introspectivo de Takahata trata de mirar hacia atrás.
Taeko, que no está casada, trabaja en Tokio pero está frustrada con su vida allí, por lo que vuelve a casa, donde conoce a Toshio, que se ofrece a llevarla en coche por la zona, desvelando recuerdos de su infancia que juegan como una especie de narrativa paralela.
La película podría haberse realizado fácilmente en acción real y, sin embargo, la animación confiere al material una especie de atemporalidad, permitiendo al público perderse -o quizás encontrarse- en los recuerdos del personaje.
Es una película melancólica pero conmovedora, que parece terminar de una manera, sólo para invertir el resultado bajo los créditos finales. No obstante, hay que quedarse hasta el final, o se perderá la última oleada emocional de esta sutil joya.
Cuéntanos cuál es tu película favorita de Studio Ghibli en los comentarios
Si te gustan las películas de Studio Ghibli, déjanos un comentario y cuéntanos cuál es tu favorita y por qué.
¿No está en nuestra lista? Entonces descríbenos por qué consideras que debería estar y la incluiremos.
